提起2015年第87屆奧斯卡最佳影片《鳥人》，我們最先想到的是什么？
毫無疑問，偽裝得毫無破綻的長鏡頭。
什么是長鏡頭呢？說白了，就是不剪輯。
專業一點呢，一般超過10秒鐘就算長鏡頭；而在電影工業高度成熟、分工極為明確的好萊塢，超過90幀就算長鏡頭了。
實際上，這部電影并不像看起來那樣，全片一氣呵成，只有一個鏡頭，也是有剪輯點的，采用的是一種“偽長鏡頭”的手段。
只要我們不憋著勁和導演較真，還是很難發現的。
但剪輯之前，導演提交的原始視頻片段，不管是按照10秒算、還是按照90幀算，都是名副其實的“長——”啊！
得獎之后，各大媒體平臺針對拍攝技藝進行了熱烈的討論，其熱度遠遠高過了導演想要表達的思想主題。
好萊塢聚集了最成熟的電影技術，最不缺的就是“炫技”，為什么《鳥人》這部電影中的拍攝手法——長鏡頭就一直為人們津津樂道呢？
一、導演不是為了炫技而炫技
伊納里圖給自己影片的定義是一部“喜劇片”，而喜劇片是完全離不開剪輯來把控節奏的。這一點他很清楚，所以在開拍前一周，他找到《獵愛的人》、《畢業生》的導演邁克.尼克爾斯，尋求意見。這位經驗頗豐的著名導演聽到之后很吃驚，急忙把吃到嘴里的橄欖拿出來，說：“你應該馬上停止，這會是一場災難。”
然而伊納里圖還是堅持要進行這次嘗試。
事實證明，他不僅帶領工作人員把長鏡頭偽裝得天衣無縫，還沒有讓喜劇變成尷尬生硬的“鬧劇”，他通過自己的才華在長鏡頭中實現了節奏的變化和切換的張力。
故事和講故事的方式，和諧而且精彩！
二、縫縫補補有難度
雖然是“偽長鏡頭”，但實現起來也有難度啊！哪怕是在高手云集的好萊塢。
《鳥人》首先面對的問題：既要堅決執行“單一連續長鏡頭”的理念，又需要做出能體現人物情緒變化的調度。
意思就像這樣：
“你不要動！”
“不！你得動起來啊！”
為了解決這個難題，創作團隊們想出來一個辦法：先演一遍！
比如，說到哪個字的時候要開門，轉身的時候應該站在哪里，邁出右腳的時候該是哪種情緒狀態……
電影的男主角，邁克爾.基頓，在接受采訪時說，這部電影在拍攝的過程中完全沒有即興表演的空間，每一處都是精心測量好的。
光與影。這是創作團隊們遇到的另一個問題。
長鏡頭讓燈光設計變得非常有挑戰性。伊納里圖找到了為奧斯卡最佳影片《地心引力》操刀的燈光設計師盧貝茲。
這位巧匠一開始是非常抗拒的，他的理由是，鏡頭越長，打光越讓人抓狂。
常規情況下，燈光設計師會為每個鏡頭設計光效，但《鳥人》的鏡頭一直在移動，幾乎沒停過，這就意味著，光源需要跟著鏡頭和人物一起移動。
累啊！
還有一個問題，鏡頭在不同的場景中來回穿梭，每個場景的光有著不同的設定，燈光師需要保證這些光過渡得自然、連續、不突兀。
聲音。也是一個需要克服的難題。
運用長鏡頭，每個場景之間沒有明確的結束也沒有明確的開始。鏡頭在移動，離新的聲源越來越近、離舊的聲源越來越遠。所有的聲音不能一下子就消失，也不能一下子就出現，需要的是“漸變”。
這樣會出現什么情況呢？
音軌爆炸！
還有一些問題，例如，后期摳圖。
行進路線和場地布局縱然設計得精密，但鏡頭能拍到演員，不可避免地也能拍到工作人員；燈光打得好、打得足，但眾多的工作人員聚集在一起，就會出現穿幫的影子。
這些，都需要后期來處理。
三、導演“炫技”有方
我們之前說，喜劇是需要節奏的，而使用長鏡頭就意味著放棄剪輯對節奏的推進，那么控制節奏的方式是什么呢？
鏡頭推進的速度。長鏡頭使各個場景的銜接高度順暢，不能變向、不能回頭、不能增刪，但這并不意味著就失去了剪輯功能。
伊納里圖想到的是加快或放慢鏡頭運行的速度。
剪輯是為了表現人物逐漸崩潰的精神狀態，最能體現這種情緒的場景就是狹窄幽暗的走廊。這里連接了舞臺和休息室，一個是主人公的理想，一個是主人公庇護所。
隨著故事的發展和矛盾的激化，走廊越來越臟，燈光越來越暗淡，里根在走廊穿梭的速度越來越快，甚至有了逃竄的意味。
伊納里圖在接受采訪時說：“我發現我變得很懶。當你用傳統的方式拍片，你就等于把一張網撲在你身邊，就很難跌得很慘。你總是能把事情控制到不會太丟臉。如果這個鏡頭有一點點難，你可以改掉或拿掉，你可以隱藏你的錯誤。我開始想，我是不是太依賴剪輯了?”
所以，他勇敢地邁出舒適圈，進行了這樣的一次嘗試。就這樣，我們看到了技術和藝術的完美融合，兩者相得益彰。
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